AUTORE: Paolo Levi

Enzo Prestileo al primo approccio visivo può trarre in inganno uno spettatore superficiale. Egli infatti potrebbe apparire come un continuatore della tradizione metafisica italiana, mentre tutt’al più i suoi dipinti emanano il silenzio di una presenza-assenza, dove ci si avvicina alla realtà solo per esserne immediatamente respinti, e dove si approda infine in un universo fatto di geometrie oggettive di felice bellezza cromatica.

Da tre decenni circa non solo l’Italia ma l’Europa intera e gli Stati Uniti hanno visto occupare il panorama dell’arte da parte di quelli che chiamerei i mâitres à penser della visione, che hanno sconvolto i canoni e i linguaggi tradizionali in una sorta di curiosa operazione-spettacolo dove la pittura è stata sostituita dalla fotografia oppure dal video. È quindi un personaggio anomalo Enzo Prestileo, in quanto si contrappone agli eventi di un’avanguardia momentaneamente vittoriosa. Egli entra in scena senza lasciarsi assolutamente intimorire, e riprende la barra del timone là dove l’avevano lasciata i pittori del Novecento, quelli che predicarono e applicarono il ritorno all’ordine dopo la buriana futurista. Enzo Prestileo è un maestro della pittura, ancora giovane di età, ma dallo spirito antico che si muove con il silenzio garbato e civile di chi crede nell’artigianato meraviglioso del segno e del colore, di chi ha la coscienza dei valori cromatici, degli infiniti passaggi che rendono vibrante la materia per narrare figure, nature morte, silenzi che partecipano al dipinto nella sua emblematicità, nella sua stessa ombra misterica.

La pagina pittorica di Enzo Prestileo è dunque quadro, pensiero, serena meditazione, contemplazione di un reale non sempre afferrabile, dove la soggettività cede sì il passo alla fredda naturalità dell’oggetto, ma dove la superficie pittorica viene mitigata da una tattilità plastica che emana, soprattutto per ciò che riguarda il nudo, il senso di una calda sensualità.

Ci troviamo di fronte a una individualità quanto mai marcata, che opera in condizioni non facili, in quanto la sua pittura non può che aprioristicamente essere condannata da coloro che considerano non più affermabili gli antichi valori che la sottendono. Nell’arte contemporanea, e noi lo sappiamo bene, ognuno ormai viaggia per proprio conto, e non c’è nemmeno più lo spazio per aggregare in correnti o in movimenti ideologici gli artisti, i critici e il mercato. E se neppure esiste più quel gioco delle parti che è sorto alla fine degli anni Sessanta con l’arte concettuale, e se quello che rimane è solo più anarchia e dispersione, allora dobbiamo essere grati a questo artista che si è armato di tavolozza e pennello alla maniera antica, che si è prefisso lo scopo di ancorare il bello alla forma, alla preziosità di una ricerca formalmente ineccepibile, e di situarsi in una sorta di neoclassicismo antiromantico

Si può cogliere nelle opere di Prestileo l’esigenza di guardare l’oggetto-corpo e l’oggetto-natura morta con lo spirito indagatore di un critico razionale, persino direi cartesiano. Come recitava in una splendida poesia il poeta tedesco Bertolt Brecht, noi viviamo in tempi oscuri, e la tirannide della massificazione che la cultura contemporanea è costretta a subire affonda le proprie radici nella perdita delle certezze e dei valori, in quel pensiero debole dal quale è impossibile ricavare crescita interiore o saggezza: la sensazione che spesso ci pervade è quella di precipitare per la perdita di appigli, per l’impossibilità di aggrapparci a quello che oggi il mondo dell’arte ci propone. Così questa voce solitaria, che ha il merito ai nostri occhi di dimostrare che è ancora possibile lavorare nella continuità rispetto al passato, e che sa costruire razionalmente una narrazione pittorica squisitamente mentale, ci propone un’indiretta critica alla contemporaneità, evitando di partecipare a quella soggettività minimalista e viscerale che è così tipica del paesaggio culturale contemporaneo. Pittore della tavolozza assolutamente pulita, esecutore meditativo di opere che emettono una tipologia di informazione al di fuori del tempo e della storia, Prestileo espone un impegno legato alla qualità. Egli si muove nella dimensione e nello spazio statico di una fredda e calcolata architettura, dove ci si può soffermare nella let tura e nella contemplazione, dove lo sguardo non scivola mai nello squilibrio, dove non c’è spazio per l’errore, e dove gli slittamenti compositivi sono del tutto preordinati in un costrutto che rivela la tensione creativa e la sapienza cromatica.

Nella pittura degli anni Venti solo in parte la ricerca risolveva la problematica della riconoscibilità dell’oggetto. Pensiamo ai rovelli di Morandi, all’oggettività del suo mondo figurale, al suo ordine pittorico che si motivava in una sorta di filosofia etica spinta fino all’ascesi. Per parte sua, il nostro pittore non è un filosofo, ma piuttosto un meditativo controllato a cui interessa che l’oggetto rimanga statico nella chiusura emblematica dello spazio. Egli è indubbiamente un caso anomalo, che realizza la ragion d’essere della sua pittura nell’atto manuale e artigiano, come continuità di un’esperienza storica dove vengono raccontati corpi e oggetti, ovvero la fenomenologia del quotidiano intrisa di malinconica e distaccata immediatezza.

Nato a Massa Lubrense vicino a Napoli nel 1957, Prestileo ha notevoli doti teoretiche, anche se non ci risulta che egli abbia scritto dei manifesti ideologici per la riabilitazione della pittura, per ricreare un movimento, o per avere intorno a sé discepoli. C’è tuttavia un’intenzione etica nella sua meditazione sul figurale come senso del vero e del bello, come ritorno e rinnovamento del senso racchiuso nell’emblematicità contenutistica dell’immagine, nella concretezza di un lavoro intellettuale rigoroso, che ha la forza di una pagina scritta con la grafia della pittura, che si esplicita con la tensione emotiva e vibrante del colore.

Tuttavia in casi come questo non devono esserci margini di errore, in quanto potrebbe essere facile cadere nel letterario o, quanto meno, nell’autoreferenzialità, ovvero in una dialettica chiusa su se stessa. Prestileo ne è perfettamente cosciente e quindi evita con accuratezza questa trappola attraverso l’attenzione continua che egli pone alla stesura e alla tessitura di ogni sua opera, che sempre viene giocata come una scommessa continuamente rinnovata con se stesso e con chi guarda. E ogni volta la trasparenza del colore, il gioco calibrato delle ombre, la sapienza tonale concorrono a consolidare l’asciuttezza della materia, che si propone come emblema di saggezza e di misura.

Riportandosi dunque al periodo degli anni Venti, quelli contrassegnati dal ritorno all’ordine, con opere come Composizione con uva del 1996 oppure con Secchio di limoni del 1998, egli mette a punto il suo indagare fra la fuggevolezza del momento visivo e la precisa spettacolarità scenica dell’immagine - indagare che si traduce in una vera e propria fusione fra due opposte pulsioni, quella dell’immediatezza e quella dell’architettura testuale meditata a priori. Il dualismo fra assenza e presenza, al di fuori di facili contaminazioni e richiami al presente o al passato, si fa costrutto luminoso dove è primario il sentimento dello scorrere del tempo, e dove per contrasto è l’ombra a rappresentare il canto segreto che sgorga, forse, dagli stati d’animo dell’artista o dalla sua stessa autobiografia.

In dipinti come L’appuntamento, Intimità oppure L’Attesa sembra che l’artista ribadisca la sua volontà di respingere qualsiasi tentazione illustrativa, e che voglia condurre l’osservatore a farsi partecipe di quella sensazione struggente che è la materia stessa di una memoria ritrovata. La seminudità in opere come Abbandono e Nostalgia si sublima poi in una sorta di rappresentazione sacrale dove la suggestione formale e plastica della figura femminile amplifica e dilata la percezione di una sensualità controllata.

Enzo Prestileo con coerenza in tutti questi anni ha imboccato senza tentennamenti la via non facile della natura morta e del nudo, che non vanno tuttavia intesi come esercizi di stile, ma come l’autentica riappropriazione di un genere alla maniera degli antichi maestri. Ma in effetti le sue nature morte godono sempre di una sorta di processo di astrazione, quasi che egli volesse riportare sulla tela racconti conclusi nello spazio del sogno, dove quindi gli elementi della natura sono accessori. Limone nel piatto del 2001, Le con chiglie del 2001, Natura morta con conchiglia del 2001, Fichi d’india del 2002 sono scelte non casuali né dovute a un calcolo squisitamente decorativo: la natura morta è qui un problema estetico da risolvere, un gioco contrappuntistico fra oggetto e soggettività poetica, una forma dalle variabili cromatiche che risulta da una profonda meditazione sul rapporto spaziale. Ne risulta una sorta di aristocratica purezza, che rende la composizione curiosamente incomunicabile nella sua classica compostezza, come se fosse avvolta dall’atmosfera sospesa di un sogno.

Giorgio Morandi dichiarava che non c’è niente di più astratto del mondo reale. Enzo Prestileo pone alla sua coscienza di pittore l’assioma morandiano come un problema ancora aperto, per cui non si ritrae mai di fronte alla sfida che gli propone l’approfondimento semantico dell’oggetto reale e, eludendone l’intrinseca evanescenza, restituisce l’essenza della realtà tramite uno stile depurato ed emblematico, che tuttavia si tiene ben discosto dall’iperrealismo decorativo tipico di certa pittura della fine degli anni Settanta. Con la grande tela Rosaria e Michela del 2002 Enzo Prestileo affronta in modo definitivo la definizione stessa della fisicità dell’immagine, e risolve il problema senza esasperarne il costrutto, ma trattando il pigmento come mezzo di comunicazione visiva, come misura primaria del valore figurale. Lo spettatore è messo quindi nella condizione di riconoscere gli infiniti passaggi, le numerose definizioni che rendono appetibile la lettura del quadro. Esiste in questa opera una sorta di gigantismo fattuale che comporta anche una sorta di psicologismo, per cui lo spettatore si pone come interlocutore attivo di fronte all’opera, assumendone l’emotività, la pienezza fisica, la preziosità e la potenza espressiva.

Va dunque detto che la produzione pittorica del nostro artista dice chiaramente che la pittura non è lingua morta, e che le cose del quotidiano possono ancora essere raccontate. In ogni lavoro di Prestileo - pensiamo ancora al Giglio, alla Maternità perduta 2 - si avverte la passione che individua il principio della vita come armonia. Esiste qui una sorta di spiritualità che porta a ridare nuova misura all’immagine, riappropriandosi delle motivazioni e della lezione del museo, dove il costrutto dell’immagine si fa delicata epidermide che guarda indirettamente alla plasticità sensuale e alla volontà di chiarezza di un Ingres. Qui l’artista opera evidentemente non sulla memoria, ma sullo studio del modello, sull’attenzione analitica. In tutto questo esercizio che si pone al di là della retorica decorativa e accademica, c’è una scelta di campo che gioca tra l’immediatezza di un talento naturale e la laboriosa riaffermazione dell’oggetto pittorico. Erede dei maestri del Novecento che hanno dato il meglio subito dopo la prima guerra mondiale, egli vive il presente e il passato in una coniugazione unica, lavorando sulla qualità della forma, realizzata attraverso la ricerca di quella stessa qualità spirituale che appartiene ai maestri che guardarono al classicismo.

A Torino Felice Casorati aveva trasformato la figura umana in un archetipo plastico dove soprattutto era la virtù dello stile a dare senso e carne alla rappresentazione. La stessa virtù che Prestileo ci sembra possedere, dove l’estetismo si coniuga alla compostezza delle linee pittoriche, alla nitida struttura delle geometrie, al controllo intellettuale che sa realizzare il valore dell’apparizione. Se poi andiamo a misurare il perfezionismo di questa pittura precisa fino all’ossessione è evidente che per Prestileo, come ebbe a dire Constable, la pittura è una scienza e dovrebbe essere esercitata come fosse un’indagine sulle leggi della natura. Come i suoi maestri - e per maestri intendo la scuola di Valori Plastici di cui Prestileo è il degno continuatore - in tutto questo suo procedere e produrre è sempre presente la spinta di un’utopia che tende all’idealità dell’immagine, dove la pittura si fa strumento mirabile di contemplazione della bellezza. Ogni dipinto è dunque un pensiero trasparente dove l’immagine approfondisce e arricchisce le sensazioni di un artista, che ha maturato una sua riflessione speculativa col rigore di un matematico.