LA PITTURA DI ENZO PRESTILEO

AUTORE: Armando Audoli

Marina della Lobra, e poi, un po’ più su, Massa… Massa ad delubrum: al tempio, teatro del sacro. Teatro caro ad Atena, in terra di pescatori e sibille; teatro dal plurimillenario genius loci e dai plurimillenari olivi, affacciato su un mare azzurro di cielo e verde di sirene!

Bagnata dalla luce speciale di Massa Lubrense e lumeggiata dal salmastro, quella di Enzo Prestileo è una pittura che spiazza: sembra iperrealistica, ma se si verifica il tasso di realismo nel dettaglio preciso, nel particolare “vero” quanto il vero, si rimane delusi e stupiti, a bocca aperta; sembra rigorosamente figurativa, ma nasconde una pura tensione idealizzante, la superba destrezza di chi sa rubare l’essenza di un soggetto, assoggettandolo e trasfigurandolo attraverso la reinvenzione pittorica della sua stessa forma esteriore; si mostra compatta (attenzione a non fraintenderla in chiave fotografica!), ma è tutta fremente d’infiniti tocchi; sembra una pittura fredda e razionale, ma – a ben distinguere – è come una visione medianica e colorata, come un’immaginazione sospesa tra abissi inconsci e desto osservare, come una traduzione lirica (ad alta densità poetica) delle ossessioni, delle idiosincrasie e delle passioni del suo sofisticato artefice. E può parere – ancora – un antico esercizio di stile, il dipingere di Prestileo, quasi completamente libero da riferimenti attuali e ancorato qual è alla dimensione artigianale dell’opera d’arte; questa, concepita e realizzata alla stregua di prezioso objet d’art, ribadisce il primato della forma e torna a essere un manufatto sopraffino, che (volendo) contiene anche un’idea: e non solo un presuntuoso concetto astratto (sacrificato nell’anima e nel corpo), disincarnato, velleitario nel negare con ostinazione e prevaricante prepotenza le ragioni di un adeguato virtuosismo tecnico. Si tratta di un dipingere moderno nell’intimo (col suo intimo tremare), di un tramare variopinto, isolato per ostinata vocazione dal confuso panorama artistico d’oggi, e inteso a declinare qualche eterna cadenza di un’anima moderna: la perdita di un affetto, la paura e lo smarrimento nella solitudine, l’amore per un figlio, il sentimento struggente del passato, il dubitare continuo, l’inondare di luminosità sorrentina l’ombra della morte, l’ammirare estetico un’agave o un limone (un fico d’india, un grappolo d’uva o una conchiglia), il contemplare estatico un corpo femminile, il sentire leggero un piacere, il presentire un dolore...

Prestileo, interpretando a proprio modo la lunga tradizione figurativa occidentale, si lascia disinvoltamente alle spalle la novecentesca polemica – sempre, comunque, dialettica – su tradizione nata e morta, e su avanguardia nata morta; egli dissente, con radicale determinazione, in solitudine: non dialoga che con sé stesso (e con i propri fantasmi), e opera con disciplina.

Concentrata disciplina. La pennellata non è mai fluida, distesa, sciolta: ha il pulsare vitale di uno “staccato” meticoloso, ammorbidito con estro e ispirazione. La superficie dei quadri di Prestileo non s’increspa mai per una voluta irregolarità, per uno scatto improvviso o per un guizzo incontrollato del gesto che si libera; il nervosismo, implicito a ogni sensibilità artistica, è trattenuto nel tocco compulsivo e vibrante del piccolo pennello, condensato nella misura minima di minime pennellate che carezzano la tela o la tavola, che distribuiscono il colore susseguendosi con fermezza e suprema costanza: pennellate esatte, però tremanti – dentro – d’irrequietezza.

Il disegno costituisce appena una traccia, uno scheletro strettamente indispensabile alla composizione; la pittura è tutto: una visione del mondo. Il demone di Prestileo è un demone di colorista, segnato da nette idiosincrasie (si diceva), da inflessibili urgenze, tradite – ad esempio – dall’alta selezione qualitativa dei materiali impiegati e dalla scelta maniacale nell’uso delle tinte: i colori adoperati sono, senza eccezione, quelli primari, mescolati con perizia per ottenere scarti intonati e giuste gradazioni; mai sporcati. Il nero è bandito.

“In natura non vedo il nero, vedo piuttosto lo scuro” dice Enzo, con un’espressione misteriosa da alchimista sussurrante un qualche indicibile segreto, velata da un sorriso appena di labbra. E sulla sua insofferenza nei confronti del nero ci sarebbe da indagare e divagare, avendo il coraggio di spingersi in profondità amniotiche troppo lontane e indiscrete, troppo arcane. Nere, appunto.

Già, nero e natura: nero femminile, uterino. Torbido nero prenatale; nero biologico, ciclico; immobile nero inconscio: “I cicli della natura sono i cicli della donna. Biologicamente, la femmineità è una sequenza di ritorni su sé stessa, che ha un unico punto di partenza e di arrivo. La centralità della donna le dà una stabilità d’identità. Essa non ha da divenire, ma solo da essere. La sua centralità è un grosso impedimento per l’uomo, di cui essa blocca la ricerca d’identità. Egli deve tramutarsi in un essere indipendente, cioè in un essere libero da lei. Se non lo farà, ricadrà semplicemente su di lei. Il ricongiungimento con la madre è un richiamo di sirena che ossessiona la nostra immaginazione. Allora c’era perfetta letizia, oggi c’è lotta. Il ricordo confuso della vita precedente la separazione traumatica della nascita potrebbe essere all’origine delle fantasticherie arcadiche di una perduta età dell’oro. L’idea occidentale della storia come di un movimento proiettato verso il futuro, di un piano provvidenziale o di progresso che culmina nella rivelazione di un secondo avvento, è una elaborazione tutta maschile. Nessuna donna, a parer mio, avrebbe potuto elaborare un’idea simile, che altro non è se non una strategia di evasione dalla stessa natura ciclica della donna, in cui l’uomo ha il terrore di restare irretito. La storia, nella sua versione evolutiva o apocalittica, è una lista di desideri maschili a lieto fine: un’impennata fallica”.

Formalistica e gerarchica, concettualizzante e intellettualmente rapace, ordinata e mai ordinaria, tutta l’arte è un’impennata fallica, un’ossessione maschile: la succitata chiosa di Camille Paglia – una miscela di Darwin, Frazer e Freud – ci suggerisce un’ipotesi su quali siano le effettive pulsioni interiori per cui un uomo dotato di talento possa sentire il bisogno impellente e bruciante di filtrare la realtà, prolungandone vita e principi in una nuova superficie, resa per mezzo di amorevoli e disciplinate apposizioni di colore (nero escluso).

Il lavoro di Prestileo aderisce alla realtà solo per stretta necessità visiva, per avere un punto d’appoggio a cui riferirsi, un involucro da citare con precisione esterna e, al contempo, inerente per sommi capi al proprio contenuto convenzionale. E se tali capi vengono dall’artista riferiti con sorvegliata dedizione tecnica alla tenuta formale del discorso, è perché egli sa che – riportando un discorso altrui – non si deve assolutamente trascurare la grammatica e la sintassi; soprattutto se si ha come scopo latente il trascendere canoni e regole, per riuscire poi a parlare – una buona volta – d’altro. Tanto si parla sempre d’altro: “Vogliamo capire o no che il discorso non appartiene all’essere parlante!”, era solito insinuare Carmelo Bene, erede di Saussure, seguace di Lacan e amico di Derrida. E soggiungeva: “Noi non parliamo, siamo parlati”. La realtà oggettiva è un discorso altrui, una retorica che non apparterrà mai completamente né a noi, né al pittore che tenta di ricrearla: Prestileo la dipinge (la riferisce) a modo suo, condensandola in forme verosimili, assonanti al vero secondo un rimando attento all’idea di verità, secondo un raccordo finito nella dicitura, ma indefinito nell’essere. Prestileo sa bene quanto il bello poco si concili con la verità; e allora mente in forme proporzionate, attendibili. Abbellisce mentendo e mente trasfigurando. E stupisce: altera il visibile di quel tanto (un tanto che a volte è pochissimo) da approssimarlo – per eccesso – all’invisibile. Ripristina l’arcana misteriosità esteriore della bellezza. Affascina con il carisma sensuoso delle forme, nascondendo il mistero in superficie. Sulla superficie della pittura, specchio non del reale, ma della sua idea.

Un’idea del reale, dunque, ad ammantare una poetica: così un sec chio contenente due limoni ci racconta di un passato, di un’infanzia lontana; e, pure, lo stesso secchio con gli stessi limoni, appoggiati su un ceppo che ricorda un capitello greco, si fa sentire carico di rimembranze; così un bambino, raggomitolato in posizione vagamente fetale, ci strugge con un’eco di maternità perduta; una giovane donna assorta, appollaiata su una sedia, non ci guarda e tace l’irreversibile mistero di un altrove (ha perduto o è perduta? non siamo lontani dall’atmosfera laconica di un film di Atom Egoyan); le molte crepe di un vecchio vaso parlano del tempo e della corruzione; il verde squillante di un fico d’india ci distrae, con un richiamo shocking, ai limiti del pop; rosseggia una rosa, biancheggia un giglio: essi non sfioriranno nel loro tempo sospeso; un’agave in primo piano – ferita e offesa – geometrizza lo spazio, innanzi alla leggera increspatura del mare; il lampo di genio d’uno spettacolare autoritratto in jeans (l’unica opera contenente un esplicito riferimento alla contemporaneità) presenta – in sottofondo, quasi in sordina – l’evanescente e circoscritto universo degli affetti famigliari del pittore; alla chiara luce del mattino, una ciotola bianca, sopra una bianca stoffa, è giusto il pretesto per sfoggiare un prodigioso virtuosismo di candida eleganza (sic et simpliciter); infine, una fanciulla nuda, stesa in abbandono, dorme sognante (o mima un triste presagio d’inconsapevolezza e di oblio dell’io?).

Ipotesi, suggestioni, spunti… Una poetica, ammantata da un’idea del reale: la poetica di un artista che, in quanto tale, è un poco certosino e un poco veggente. Enzo Prestileo porta davvero in sé una strana commistione di volontaria disciplina d’asceta e di alogica (incontrollata) veggenza. I suoi lavori più inquieti, al di là delle riflessioni di ordine tecnico ed estetico accennate in principio, tendono a provocare, in uno spettatore aperto e ricettivo, brividi sottili, emozioni serpeggianti nelle sfere ombrose dell’incoscienza: giù, dove tutto si confonde e non ha nome. Sarà un ricordo evocato o il fermento di una premonizione? L’artista, quasi un mago, ci stupisce con la sua bravura nel “rifare” oggetti, persone e paesaggi, che d’incanto – all’improvviso – si materializzano ai nostri occhi, lasciandoci un indefinibile senso di smarrimento e soddisfazione.

Un goccio di smarrimento, un profluvio di soddisfazione: e in effetti, bagnati dalla luce speciale di Massa e lumeggiati dal salmastro, sono belli, scopertamente belli, i lavori di Prestileo. Ma questo, oggi, può essere ancora, per molti, quasi un fastidio.